動畫聖堂: 一個姿勢!還是一組演出?

常常說要學習說故事 , 但是要如何說故事 ?

當然要說好一個故事，就必須先從腳本分鏡下手，腳本的設計不光只是在做所謂的「鏡頭分配」，更重要的就是在做鏡頭內涵的演出，因此堂主這邊針對「表演」這件事，做了一些分析，也就是將動畫的表演分成以下幾個方向：

1. 角色的表演
角色的表演包含要素有：

a.角色面臨主動或被動狀況時的表情反應(中照或特寫) 例如 :湯姆看著躺在床上的母親-這沒有表演，但如果是「湯姆雙手緊握躺在病床的母親，露出哀傷的表情」--這樣就有表演了！

b.角色面對狀況的反應動作(中長照或全照)例如 :湯姆用力搬開擋住門的箱子 -這只有動作描述，缺表演。但如果是「湯姆想到門內正面臨死亡威脅的瑪莉，心急如焚，於是顧不得體弱多病的身體，用盡吃奶力將擋住門的箱子費力推開」--這樣就有表演了！

如下列有關想拿東西的3個動作，在腳本設計時應該加以注意：

動畫的演出，必須考慮到可看性和吸引力（12守則之一），太正常的表演應該不會吸引人吧!

2. 鏡頭的表演

鏡頭的表演要素有：

a.鏡頭的位置要正確--如果是對話，就要確定第二人稱或是第三稱，這樣才能將鏡頭位置正確置放在對的人稱處(就是誰在看？)

b.鏡頭前後關係是否具有情節的連貫性，前一景是湯姆在望著窗外的正面中照，那下一景就必須給觀眾知道他在看甚麼？

上圖說明了A.只是角色的一個姿態,它不具感染力，只不過說明角色在做一個動作，但是B.就不一樣,B是一組包含角色內心對眼前的瓶子有所反應，角色和物件之間是有感情的，有因果和答案的，因此， B這一組4個鏡頭講的是和A同一件事，但具有感染的功能!

這就是「一個姿勢!還是一組演出?」的具體說明。

所以一件事可以用許多個鏡頭來講，因為要交代很多面向，但到底要多少鏡頭才夠 ? 甚麼情況需要多些鏡頭 ? 這些都是需要經驗累積，常常練習用鏡頭去說一件事就會有心得!

然後就是鏡位和空間感的問題，鏡位的變化本身就是一種演出，說明角色之間的相對關係，如果鏡頭位置擺放錯誤，自然會使節奏打亂掉，所以鏡位和空間位置很重要 :

畫腳本前要先建立--1.空間概念(角色站在哪裡)2.鏡位概念(鏡頭位置/方向/距離)，同時要記得把角色後面的背景清楚的話出來,但如果是半身照會產生背景模糊，特寫的話就會更模糊。

3. 場景的表演
場景本身不是一張美圖就好，更要在這張場景中表達出故事背景的一些資訊，例如下圖那張有關人文的場景，可以表達某個都市一角的生活條件和現況，在每一段戲開始之前，先讓觀眾透過場景去做一個熱身，做好準備去接受即將開始的故事，這就是場景的演出。
從下圖雲科二年級學生作品中可以整理出場景表演包含因素有:

a.場景的造型
b.場景的色彩
c.場景的線條
d.場景的材質
e.場景的明度

場景雖然佔有最大面積，但角色才是主角，因此場景不要喧賓奪主，必須讓角色在整個場景中被凸顯出來，而不應被掩埋在複雜的色彩與造型中。

再如下圖,堂主幫學生做的場景修改,可以看出場景如何演出 :

場景本身對於故事的「空間語言」表達非常重要 ,空間雖然是靜態的 ,但是可以在角色演出之前預告許多即將可能發生的故事 ,例如蝙蝠俠的高譚市場景本身 ,一眼就可以感受這是一個犯罪之城 ,預告這裡將要發生的荒謬情節。

要充分利用地形作演出的場所,這裡可以看到A和B兩條綾線,角色站在後面空曠的場景前，可以充分凸顯角色的地位。

4. 色彩的表演
畫面的顏色，當然影響觀賞的心情，每種顏色有自己表達的語言，在企畫階段，就要規劃好每一段戲要傳達的意涵，然後根據這樣的意涵去設計最適合的色彩，不要把精神都放在故事本身，而忽略顏色的重要性，因為顏色佔有最大面積，影響情緒很大，所以要將故事分成不同顏色表現段落，每段試畫一張出來檢討:開場白/第一幕/第二幕/迷失段...衝突段/幻想段/結尾段.....等，都有不同色彩去呈現，自然會對故事有加分作用。

色彩計劃在一開始就要做好 , 色彩可以建立整體的氛圍 ,但是如果一不動化本身就用色彩來講故事也是一個不錯的創意 , 以堂主指導的這一部透過色彩的變化來尋找自我的故事 , 就是一個色彩表演。

從一張概念設計開始一個故事: 1.原本漆黑中的自我迷失 2.企圖用色彩找到自我 3.領悟了之後將背景刷白而真正找到自我，這故事充滿禪意，表現出人對於自我的茫然，這是一個不錯的題材，這就是一個用色彩說故事的作品。

靳若宜同學一人組製作一部動畫

上圖是堂主給的示意圖，下圖是學生完成的作品海報，這個小黑人想要在一面鏡子前找到自我，所以用盡心機將色漆塗得滿身都是七彩的顏色，結果被鏡子狂笑，後來小黑人領悟到不需要改變自我，只需要把黑牆壁刷成白色就可以凸顯自我，這故事堂主非常喜歡，畫得也不差,可惜沒有得到評審青睞，但我覺得學生做得很棒，我要給她鼓勵 !!!

完全用色彩當作故事主題,這是一個創意!

5. 聲音的表演

在每年的畢業製作期間，就成了各錄音工作室的旺季，很多學生預算有限，只好找便宜的工作室，但價格低自然收入少，於是必須大量接案，這樣一來當然就無法細心的幫每部作品做好配樂工作，於是很多作品就這樣被敗在聲音這部分。

所以真正一部好的配樂，錄音師是必須看著作品，一個情節一個情節去感受故事的情緒起伏，來尋找最適合的音樂和樂器，但因為大量接案，就無法這樣做，就只好大致上彈一段公共的音樂，從頭一路放到片尾，整部片完全沒有變化，這種情況當然就破壞了一部好的作品，因此要找錄音公司之前要先看之前作品，並且到公司去了解，當面和負責人討論，然後簽約要講好，是不是先給一小段完成片段，然後再做好調整後再去完成其餘部分，通常學生到配樂階段已經要忙展覽事宜，就會疏忽這一個重要階段，然後等到拿到作品時已經沒有時間修改了，因此在面對這種情況，一定要堅持品質，因為一部好的作品會影響自己一生喔！

那麼聲音演出部分要注意的，就是層次的問題 :

聲音的層次有 : 1.主題樂 2.背景樂 3.環境聲 4.情境樂 5.音效聲 6.對白聲 7.旁白聲...等，一部動畫作品要配樂成功，當然專業的錄音設備和錄音師是一定免不了的，因此這部分的預算也要提早規劃，不要貪圖便宜而誤事。

6.時間的表演

時間的表演要素有：

a.鏡頭停留或運動的時間長短，具有不同的意義，就是所謂的「長鏡頭」「短鏡頭」，這些不同時間長度的鏡頭會產生觀眾情緒上不同的感受，一組短鏡頭可以給人緊張壓迫，而一組長鏡頭可以令人放鬆和期待。
另一方面在鏡頭運動時，更需要妥適的安排運動的時間長短，如慢慢的推入/推出，或是快速的拉向另一邊，當然都有不同的意義，多看影片去研究，就會得到很好的答案！

b.角色原畫的Timing(律表)，也就是動作本身的速率，甚麼情況該停？停幾格？這部分是原畫師最難的，要畫畫沒問題，任何動作都可以畫得出來，或是去参考真人動作，但是姿勢和姿勢之間要拍幾格才最恰當？這學問就大了，有些情況需要以24格作畫，有些情況跑12格就可以，或是一個抬手要插幾張？如果中間加一張修飾動作，那須要稍微停頓一下嗎？要停幾格？這些問題都是動作設計時要去學習的，當然，經驗和研究的精神是最重要的！

也就是說我們在畫腳本時，就必須將這些項目列入考慮，那麼你就可以畫出一個能感動人的腳本。

下列幾部今年雲科大的作品在色彩運用上都有不錯的表現,可惜在鏡頭和角色演出尚有改進之處 ,總是有顧此失彼之慮 ,我希望大家在時間掌握上要做好,因為時間也是一種很重要的表演!