先談動畫教育的負向循環與正向循環
有一些學校面臨招生問題，因為他招不到又會畫畫又會讀書的學生，而那些不太會讀書，可是就是會畫畫的學生，也到其他較有名氣的私校學動畫，那許多招生困難的學校，只好招到不太會讀書，也不太會畫畫的學生，我必須說，這樣的學生比起任何學生都更需要被照顧，他們不知道自己未來在哪裡，或許因為從小愛看卡通、愛看漫畫、愛玩遊戲，所以他決定找一家願意讓他們學習動畫的學校，然而，這種情況底下，老師當然就會扮演關鍵角色，老師如果認為反正學生也教不會，隨便教教吧！那這些學生當然就毀了，但如果老師努力一些，那怕一班只有10%學生願意學，你把這10%學生作品照顧好，讓他們的作品放在系網上起發酵作用(我坦白說，你老師用盡各種辦法，也要幫他把作品搞好，因為這是招生用的Sample啊！)，其他人可能就會被影響，另外還有那些始終在睡覺的學生，就把他當了！那下一屆的新生就會看到幾部不錯的作品，然後一些不太會讀書，可是會畫畫的學生就會考慮來就讀，因為他看到一些不錯的作品，同時又聽說睡覺會被當掉，那這學校應該蠻認真教學的，老師繼續逐步嚴格這個策略的執行，幾年後就會慢慢汰換掉不良的循環，開始進入正向循環了！
如果學校認為「招生越困難，越不能得罪學生」那這學校永遠就會在負向循環裡輪迴了！
對於招生困難的動畫科系學校，首要策略就是要先能招到會畫畫的學生，然後用好的作品和嚴格的教學，當然，還要有專業師資，這些就可以作為招生的有力利器。比起你送他平板電腦或是獎學金10萬元還要實際些！
我有一位宏廣同事是擔任宏廣導演工作，他被聘請去擔任一所招生較困難學校的教職，但問題是「英雄無用武之地」，因為學生程度弱，老師再大咖也很難提昇整體水準，但如果策略應用得宜，相信應該在幾年之內就可以進入正向循環！
然後再度回到技術檢討：
1.關於「原畫」的檢討
a.要先確認作品的風格，日式動畫強調畫面構圖美感，強調角色姿態美感，強調鏡頭張力，強調故事，但角色動作較少。
如果是美式動畫，就要強調角色的表演、誇張動作、幽默趣味這些，使用的動畫張數會增加很多，而所謂的「迪士尼12守則」，就是要用在這個地方，用以凸顯和日式動畫的差異性。
b.原畫設計當然是根據前一階段的「構圖」來的，老師要先檢討構圖上角色位置、大小、姿態、背景草圖是否合乎腳本上的指示？然後再審查「原畫」是否依照構圖的指示來設計，構圖上的姿態只是一組動作的「頭尾張」，「原畫」需要增加一些表演張，也就是「關鍵動作」Key Animation，讓整組動作豐富些。
c.原畫也是分段落作畫，導演要發給組員段落時（例如媽媽責罵段、小狗逃出段....），在發工作時，記得要同時給組員角色設定稿的拷貝，避免組員亂畫變形。
接著，同樣導演要「講戲」，根據腳本上的動作說明，一個Cut、一個Cut的講角色要如何表演？動作要怎麼做？表情如何？必要的話要演一次給組員看，如果組員拿到一個Cut是一個人在慌張的逃走，導演要演一次給組員看。否則你認定的慌張，和我認定的慌張程度可能就會長得不一樣，導演要明確的統一各個Cut的表演。
d.檢討「原畫」張中是否需要加「預備動作」？是否需要加「修飾動作」？例如從靜止狀態要向前移動，就要先後退一下再前進，這就是預備動作。
e.要提醒將每個組員的段落和姓名記錄在管制表內
f.導演要發給組員段落時，同時要記得提醒組員給每一個Cut寫「律表」(或稱時間曝光表Time Sheet)
g.組員必須依照管制進度畫好手上的原畫，然後將設計好的「原畫」交回給導演檢討，這時導演就要求將每一個Cut依照律表上記錄的每一張停留格數，先拍成影片來看看動作是否順暢？
h.導演要檢討動作設計的Timing是否合適？例如舉手動作大約中間要插3到4張，走路中間插5張，跑步中間插3張，揮拳出去要先預備動作中插3張、停2格之後出拳插一張....等。
轉頭動作是1~6(中間插4張或是3張也行)，跑步是1~5（中間插3張）......要看動作大小，以及你要做到的細膩程度來決定中間插幾張，有時一個轉頭，中間還要有表演的話，就不是死死的插4張，他可能先歪一下頭（插3張）擺正(插2張)用甩的轉過去(插3張)...等，那這個畫面就會很好看。
現在很流行「元件動畫」，如果Timing又不會設計，就毀了，你要做這種元件動畫就要使用「極端Timing」，看起來充滿活力，不會無聊。原畫學問很大，老師或是擔任導演的同學，要不斷去研究優秀作品，用停格去找原畫張是哪一張？找出中間要插幾張？
如果導演連「原畫張」是哪一張都不知道，那就把他罷了吧！
i.千萬不要每張停3格甚至停4格，那會很慘、很卡、很難看，最多停2格是極限，當然做完一個動作後會多停幾格，那是不同狀況，我這邊說的是，如果是已經在動作中，就要禁止組員每張跑3格，這地方不要學日本動畫，日本動作為了省成本，才設計那種跑3格的，我們是畢業製作，不可有省成本的觀念！
j.一秒鐘不要超過兩個動作的設計，要牢記！例如：「他站起來，走向前一步」這樣是兩個動作，如果還要「拿起桌上杯子」，這樣就是三個動作了。
k.避免講話時，身體和頭一直不動，偶而要動一下身體、歪一下頭、眼睛眨一下、手比一下..。
l.不是畫越多張越好，會變成慢動作，要記得該快就畫少張，該慢就畫多張。我曾看過學生畫一個走路動作用了29張，那你如果要畫29張的話不是不行，你就要改為一張一格拍，變成全動畫，可是如果他把這29張用2格拍，就會很難看，所以用2格拍的話，其實7張就夠了。如果真要畫全動畫的走路，也不需要畫到29張，只需要7*2＝14張就夠了，這裡的7張指的是走半步，如果是完整的一步則是13張（一張停2格）。
所以，「不是一秒要畫幾張的問題，而是一張要停幾格的問題！」
m.避免「平均中割」的Timing設計，要有快慢。
n.律表要正確切出秒數（依照腳本上註記的秒數），如果有講話，要先將對白的文字，寫在律表的左邊（一秒4個字），並且換算成A、B、C、D、E、F等口型，這樣就可以讓原畫將正確的嘴型設計在動作裡，才不會講話時頭都不動。
o.每個角色的表演都不同，同樣一個心情，會因為個性而有不同表達方式。
p.每張原畫要標號碼，並打圈圈，表示這一張是「原畫張」。
畢業製作是學習業界作業模式和倫理的機會，學生一定要利用「分工」進入動畫深奧的殿堂，不能因為「懶惰」就隨便處理，學到的可能只是動畫的皮毛。
2.關於「動畫」的檢討
a.畫好的原畫經過審查ok後，要連同「律表」開始準備發給組員做「中割」，導演要先找一位組員做「造型統一」的工作，就是讓所有造型長得一個樣子。
b.修好造型的「原畫」同樣要記錄在管制表內，然後一個Cut、一個Cut的發給組員進行中間張的「中割」工作，組員要先將原畫稿用最好的線條完稿，然後才能做「中割」。
c.如果是用電腦作業，則看是用哪一套軟體？如果是用美式系統的ToonBoom的話，就要先掃描動畫完成稿，然後再TBS裡進行描線中割，當然ToonBoom也可以在軟體內直接作畫和完稿。
如果是用日本系統的Retas作業，則可以從構圖開始到原畫、動畫中割以及背景、上色、合成律表..等都在軟體裡進行，或是用紙張作業，然後掃描之後在Retas裡「自動描線」，然後同樣可在軟體裡完成上色和合成。目前我的學生已經採用Retas做2D動畫畢業製作。
d.導演要每個Cut檢查中割是否正確？中間張位置有否錯誤？造型有否變形？號碼要寫好！線條是否粗細不一？線條有無斷線？大畫面的線條要粗一些！造型越小線條要越細！複雜的造型線條也要細一些！
e.有些設計風格的卡通，線條可以要求在電腦內用向量風進行完稿，就是沒有粗細柔軟之分。
3.關於「背景」的檢討
a.背景是由「構圖」階段畫出來的線條稿，然後交由專畫背景彩色稿的同學負責畫色稿，導演要注意色調是否統一？光影是否合理？透視有無錯誤？細節是否交代清楚？
b.背景是襯托角色為主，最忌諱太多顏色，因為角色才是重點，不能讓背景顏色吃掉角色。
c.近照的背景要做模糊處理。
以上各個階段的檢討都很專業，可能有些人會不懂專業的術語，但是沒有關係，這裡寫出來的目的也是讓大家知道有這麼一回事，自己再想辦法去一一了解。
其他的角色上色、合成、配音等後製，大家應該比較熟習，就不探討了！
再複習一次：
前製作業完成後，要將腳本做成動態腳本，導演審查通過後，接著：
A.將腳本以場景為單位，分成幾個段落，並準備好進度管制表(請一位同學擔任製片管制進度)
，同時做一個封套，將每一個CUT內容放在裡面，如果是電腦繪製就是檔案管理要做好。
B.將這些段落分給組員去設計構圖，一個組員至少分到一段(每段會有數個畫面CUT不等)：要「講戲」
C.導演進行「構圖檢查」：背景？角色位置姿態？連景？圖層設計？鏡頭移動？...等項目
D.將檢查好的構圖連同律表，同樣以段落為單位交給組員設計原畫：要「講戲」
E.導演進行「原畫檢查」：動作設計？造型骨架？Timing？律表（口形、格數、背景移動、分層處理....等）？這階段要先拍「Pencil Test」直接看動作是否順暢？
F.檢查好的原畫，要先進行「造型統一」的修正工作
G.導演接著將修好造型的「原畫」一個CUT、一個CUT交給組員畫中間張（要先將原畫線條完稿後再進行動畫中割）
H.導演將「構圖」畫的「背景草圖」，交給負責背景的同學上色，並講注意事項
I.導演（或是負責動畫檢查的同學）進行「動畫檢查」：張數？中割準確度？線條？造型？
J.將畫好的動畫稿，進行「掃描」和「上色」
K.依照律表將動畫和背景「合成」(合成之前要先檢查背景稿：色調、光影、細節、造型、比例、連景..等)
L. 進行配音後製
所以，同學的動畫作品，在片尾會有下列名單：
「導演」「製片」「劇本」「故事版」「分鏡腳本」「美術指導」「美術設計」「造型設計」「造型設定」「造型修正」「場景設定」「構圖指導」「構圖」「原畫」「動畫」「動畫檢查」「掃描或描線」「上色」「背景繪製」「律表合成」「剪輯」「配音」「配樂」「特效」「後製」...等同學名字。
然後是「指導老師」（字小小的就好啦！）
我們這套系統兼具美日的作法，美國為了造型繪製和表演的一致性，採取以角色為分工方式，由一位原畫師專責一個角色的繪製和表演，所以造型的統一性當然較無問題，因為一個人從頭到尾都畫同一個角色。
但日本是分CUT方式，所以同一個角色就會被分給不同人畫，那造型就可能每個人畫的都不一樣，所以需要一位「作畫監督」或是「統一造型」的人來做修正工作，堂主以前就做過這個工作，也就是所謂的「修造型」，每天不知要修改多少變形不統一的各種造型，畫到最後，幾乎不必看造型設定集，造型已經畫到可以幾秒內就修好，一筆下去都不必改，覺得自己像一台機器一樣，因為我這階段之後，會有一群動畫師在等著修好的CUT給他們做中割，如果我速度不快一點，就會塞車，一群人會沒工作，這就是動畫分工的狀況，每一個分工都是累積幾年的技術在支撐，也都關係到下一個階段的工作品質和進度。
如果你不去修正造型，那角色會越畫越不一樣，例如：頭越來越大、腳越畫越長、手越來越小、年齡越畫越老、眼睛有圓的也有橢圓的、髮際位置跑來跑去….會鬧笑話的！
而場景如果不統一的話，就會造成：門把造型前後不一、路燈忽長忽短、門有時有門框有時無門框、樓梯少了兩階、椅子多了一把、窗簾花紋不一樣、人有時比房子還大、地板有的有格子有時沒有、庭院的樹長得不一樣……等。
但這些技術現在台灣已經幾乎消失了，而這些工作聽說都跑到越南、菲律賓和韓國去了！
因此這就更凸顯我國學校動畫教育，希望能以「流程」和「分工」為教學設計的重要性！
動畫製作三大階段
所以從大方向來看，一部動畫創作可以分為：
階段1.創意發想與檢討：5分鐘左右的「故事動畫」或是3分鐘左右的「事件動畫」與「角色動畫」
階段2.企劃和設計：前製作業、設計、設定
階段3.流程與分工執行：動畫製作與後製作
所以老師要將製作時間控制好，例如第一階段2個月，第二階段2個月，其餘為第三階段。
「設計」與「設定」
「設計」就是原創的意思，從零到有，把場景和角色風格設計完成當做Sample。（幾張就可以，主要是要給後面的人看個樣子）
「設定」就是依據前面的Sample，將故事裡的所有故事發生的地點和道具、物件全部列出，然後照著設計風格Sample進行繪製。例如角色三視圖、表情姿態集、場景標準圖...等
導演人選
「導演」工作繁重，和電影不同的是，動畫導演不是光靠一張嘴，有時要能修改，這修改工作日本叫做「作畫監督」，通常在技術和觀念都要領先其他組員，要懂「電影」「攝影」「劇本分析」「美術」「設計」「表演」「卡通」「繪畫」...不只是懂，要很懂才行，所以一個團隊一旦形成，大家公推一位具有這方面潛力的同學當導演，然後這位導演同學就要開始研究上述的種種技術和觀念，必要的話，要去請教業界專家或是動畫指導老師，用心的話，甚至去動畫公司見習幾天都是應該的，同時還要在人體骨架、透視、景物、色彩..上花時間練習，同時還要能領導團隊，知道「流程」和「分工」，知道誰可以做什麼事？誰要畫腳本？誰要做設計？誰要做設定？誰要畫背景？...也可以找一位同學擔任助理導演，請他負責檢查構圖和背景，另外一位同學負責檢查動畫中割部分，配音配樂則還是要導演自己來，導演要事先針對音樂有一個腹案，可以和配音公司溝通。
導演要謙卑，有耐性，要尊重其他同學，要讀很多電影和卡通的書，要看很多影片，要能說出個道理，不能因為是導演就裝老大，要知道畢業製作完成後，大家還是同學，一起共享成果！
對於不負責任的同學，而且屢次勸不聽，最好找指導老師出面解決，不要互相傷了感情。
請認真執行流程分工和重視手繪基礎
我到其他學校講動畫時，會把動畫製作流程詳細講一次，然後問學生了不了解動畫這些程序？學生說「懂！」，然後我問他們：「那你們畢業製作，有沒有照這些流程在做？」學生幾乎異口同聲說：「沒有！」，我問為什麼？學生說：「那不是參考用的嗎？」
也就是說，學生大多沒有執行這些流程，所以就按照自己的方法做動畫，難怪現在業界的老闆遇到我都會感嘆：「台灣手繪動畫已經斷層了！幾乎已經要消失了，怎麼辦？」
動畫的真正技術，大部分是藏在「流程」和「分工」裡面，有很多技術是導演在審查這些分工過程中，才會發現問題，然後一起解決這個問題，這些問題都不是在平常練習或是課堂上會被發現的，是真正執行之後才跑出來的！例如：「骨架錯誤」「表演不對」「造型變形」「透視錯誤」「比例不對」「背景不連貫」「中割不準」「對位不準」「張數不足」「格數錯誤」「陰影方向錯誤」「光線方向不連貫」.........等，問題發現，然後改正問題，技術就會進步！
學習動畫不只是學習如何畫畫？也學習如何分工？兩者加起來才算是完整的技術！
我必須告訴大家，世界各國的動畫教育發展，大概只有台灣的學生是那麼「懶得動手畫」，都是能快就快、能省則省、能用電腦代替就用電腦，我們這一代的動畫師常被譏為「中加工的毒太深！」，難不成這新的一代是日本情結太重了？不過即使日本動作很省張數，但他們手繪功夫是世界級的喔！
所以現在年輕學生都認為：流程？太麻煩了！直接做動畫吧！反正能動就好！「中割」？麻煩！直接畫「動畫」就好了，幹嘛還要先畫「原畫」再畫中間張？我跟大家保證，你要畫出迪士尼12守則那些漂亮的動畫，就是要先設計「原畫」關鍵動作，然後再去做中間分割，否則一定畫不出來！除非你是天才！而你要把「原畫」畫好，關鍵技術就是「人體骨架」，然後才是創意和表演，你沒有練好骨架，就無法勝任動畫這個高門檻的工作！
我常要求學生在畫原畫時，要站起來表演，或是請隔壁同學做表情給你看（如果沒帶鏡子的話），可是大家還是「懶得動」，就是要用「想」的，想出那些原畫動作，這都是我們教育很難培養真正動畫人才的因素之一，主要的障礙就是一個字：懶！懶！懶！
「迪士尼12守則」就是PIXAR的動畫天條，大家都說：「迪士尼的精神跑到PIXAR去了！」為何？很簡單，就是PIXAR嚴格執行這一天條，所以每部影片都成了動畫的寶典，那我們還猶豫什麼？
因此，呼籲每位動畫老師多多研究「迪士尼12守則」吧！我到國外參訪動畫學校時，一定會看外國老師的書架上都是些什麼書？我告訴大家，就是那一本李察.威廉斯的「動畫師生存手冊」（主要是他的教學光碟），每學期這些外國老師都還是推薦學生買這本書！這一本書就是12守則的具體實踐者！
很多學生來雲科大推甄面試時都說「我要當宮崎駿第二」，今年的面試還有一位同學更猛，他說他要幹掉宮崎駿！還有同學的願望是去吉卜力工作（不過，據我的了解，他們好像只收東京藝大的學生？），可是學生一旦進入雲科大開始學動畫了，才發現「煞！動畫要一張一張畫才會動？哇咧！」原來他以為畫一張美美的就可以自己動起來！（或是他認為只要畫頭尾兩張就可以，其他的電腦會自動連起來）
如果不趕快努力提昇的話，每一年都還是有很多學生作品是在做「會動的畫！」不是在做「動畫」！
另外，如果動畫老師不去盯學生的製作流程，不嚴格執行流程製作程序，台灣動畫將無法培養新生代動畫師，無法和世界接軌，不知道如何流程分工？不知道如何運用分工提昇效率、控制品質？
如果大家有機會去國外動畫學校或動畫公司參觀，就是去看他們如何分工和如何執行各個階段？同時也會看到滿牆壁貼的滿滿的手繪造型、手繪場景、故事版草圖、還有每個員工的卡通肖像....，大家還是非常重視手繪，包括「人體骨架」「動態素描」「風景素描」「人物速寫」「五官四肢表現」「各種透視」....等手繪基礎，我常看到很多學生畫造型，就是不會畫手和腳，因為麻煩，可是動畫裡的手和腳的表演是很重要的，大家其實都知道，可就是沒有主動去練。
經常遇到學生信誓旦旦來找我：「老師，從現在開始我要認真學動畫了，你願意收我當徒弟嗎？」，我當然說好，接下來他一定會問：「那我要練什麼？」當我聽到這一句話時，我就知道他玩假的，你都已經從一年級跟我學動畫到三年級了，竟然還不知道要練什麼？
如果你真想學動畫，不是來問我要練什麼？而是要拿你已經畫好的東西來給我看才對，這才是積極的態度！
---有想到新的會不時的補充內容----------------------------
